Autor: Evandro Duarte

Jornalista por profissão. Escritor por dedicação. Leitor por ocasião. Espectador por satisfação. Tudo isso ou nada disso não.

Enciclopédia de Vinhos (1993), de Luciano Pires

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

Aquele livro indispensável quando você está escrevendo uma ficção sobre um personagem sofisticado e não deseja fazê-lo passar pela história bebendo apenas cerveja ou uísque com energético. Neste capítulo, por exemplo, ele está compartilhando um Fendant (os melhores vinhos do Valais, na Suíça, feitos com uvas Fendant, variedade do Chasselas) com a possível vilã. E a trama se complica quando alguém derruba uma taça de Bardolino (vinho tinto proveniente dos vinhedos que se estendem entre Verona e o lago de Garda, na Itália) sobre a carta que continha as instruções finais do marajá. Para ler à vontade e beber com moderação.

Shakespeare: o autor predileto

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

Ter um autor predileto não é colocá-lo acima dos demais, mas antes. Aquela fonte segura que lhe aparece nos momentos mais oportunos. Às vezes, você cita o autor ou a autora porque só aquilo lhe fará algum sentido. Ou não fará sentido algum. William Shakespeare já avisou por meio de uma personagem: “A vida não passa de uma história cheia de som e fúria contada por um louco significando nada“. Crer ou não crer nessa ideia é uma questão que a cada um convém responder se assim lhe aprouver. Desta feita que o próprio poeta de Stratford-upon-Avon seja meu autor predileto. Particularmente, sinto-me contemporâneo de suas peças, ainda que escritas séculos distantes e em paisagens tão longínquas que separadas por um Atlântico! Foi com uma edição adaptada de sua peça A Midsummer Night’s Dream, mal traduzida por Sonho de Uma Noite de Verão, que tive meu despertar para com a literatura e, principalmente, para com os livros. Era, então, apenas um adolescente que gostava de cinema e jogar futebol. Aos poucos, entrementes, as palavras escritas tomaram o lugar da bola, mas deixando um bom espaço para os filmes. Logo, rendo também uma homenagem ao autor de Hamlet e de outras dezenas de peças neste 23 de abril, Dia Internacional do Livro. A data comemorativa foi estabelecida por ser a mesma do passamento do bardo, bem como o de Miguel de Cervantes – ainda que, possivelmente, nenhum dos dois tenha deixado a vida neste dia. Shakespeare estava aqui antes de nós e por aqui continuará depois que nós partimos. E parece justo que seja assim.

Memórias da princesa: Os diários de Carrie Fisher (2016)

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

Diferente do Oscar, o Grammy não se transformou numa cerimônia esperada anualmente em todo o globo. Mesmo que a música tenha um apelo muito mais imediato do que o cinema, as singularidades dos grandes filmes ultrapassam a rapidez de uma canção. Não me entendem mal; não estou fazendo qualquer comparação entre duas formas de arte – seria como afirmar que um filme baseado num romance perde todas as nuances da leitura. Fazê-la seria pura e simples bobagem anacrônica, qual uma sinestesia que não sabe se é cheiro ou sabor porque foi atraída pela sonoridade da cor. Outra diferença entre as premiações tem a ver com a localização: o Oscar premia, quase sempre, produções que percorrem os cinemas de todo o mundo, enquanto boa parte do Grammy tem a ver com a música feita na América para o público estadunidense. Não é por acaso que alguns (ou a maioria) dos indicados e vencedores em categorias como “melhor álbum country” ou “melhor álbum vocal de jazz” são completos desconhecidos no Brasil e, possivelmente, também em outros países que consomem música norte-americana.

Entrementes, a 60ª Cerimônia Anual do Grammy Awards, realizada no dia 28/01/2018, contou com uma vencedora em especial que uniu os universos cinematográfico e musical de modo singular e quase discreto. A atriz Carrie Fisher venceu na categoria de “melhor álbum falado” com a versão em áudio de seu livro “Memórias da princesa: Os diários de Carrie Fisher“. Carrie faleceu em 2016, aos 60 anos, quando retomava o papel que lhe deu fama mundial na série de filmes Star Wars. No livro, a atriz expõe suas anotações da época em que participou das filmagens do primeiro capítulo da saga estelar. Assim, memórias de 1976 são apresentadas na forma de diário, enquanto as observações de uma atriz e escritora madura se mesclam num humor mordaz. Para além da revelação principal, o caso que teve naquele período com o parceiro de cena Harrison Ford, damos com uma interpretação crua sem ser cruel de quem viveu os dilemas da fama justamente naquele que é, talvez, o grande fenômeno do entretenimento no século XX.

Filha da atriz Debbie Reynolds (notadamente lembrada pelo musical Cantando na Chuva), Carrie Fisher ficou e ficará eternizada no imaginário coletivo como a Princesa Leia Organa. A personagem destemida e rebelde se revela fundamental na destruição da Estrela da Morte, a terrível arma de destruição em massa do Império Galático. Tanta responsabilidade, claro, tem seus efeitos colaterais. O papel da princesa jamais lhe permitiu outros sucessos no meio do cinema e ainda lhe relegou à participante frequente de eventos nerds, como Comic Cons e afins, porque ela tinha de pagar as próprias contas. Essas revelações décadas após o sucesso estrondoso dos três primeiros episódios de Star Wars contrastam com as anotações da jovem atriz, então com 20 anos, gravando apenas seu segundo filme, repleta de vigor e entusiasmo, envolvida num caso sabidamente passageiro com seu colega de trabalho. E este é o grande trunfo do livro: apresentar uma vida interessante, utilizando um fato incomum como motor principal daquelas experiências que, de um jeito ou de outro, acontecem com todo mundo.

Não li (ou ouvi) os demais indicados na categoria “melhor álbum falado”, mas sei da relevância de seus nomes: o astrofísco Neil deGrasse Tyson, o cantor Bruce Springsteen, a compositora Shelly Peiken e o político Bernie Sanders – todos vivos. A repentina morte de Carrie Fisher influenciou no resultado da premiação? Talvez. Mas esta é uma questão que parece não explicar muita coisa. A confluência das artes – literatura, cinema, música… – ainda é a atração principal. As histórias de gente comum são fascinantes por si só, sejam estas memórias de uma atriz ou de uma princesa.

Trecho do livro “Memórias da princesa: Os diários de Carrie Fisher”:
“Não consigo me lembrar bem de quando comecei a me referir a dar autógrafos por dinheiro como uma dança sensual das celebridades, mas tenho certeza de que não demorei muito para inventar isso. É dança erótica sem a parte de enfiar dinheiro na calcinha e sem os malabarismo no pole – ou o pole seria representado pela caneta? Certamente é a forma mais elaborada de prostituição: a troca de uma assinatura por dinheiro, em lugar de uma dança ou esfregação. Em vez de tirar a roupa, as celebridades tiram a distância criada por filmes ou pelo palco. Ambos trafegam na área da intimidade.”

Secos & Molhados, álbuns de 1973 e 1974

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

Na década de 1970, o rock’n’roll deixou de ser apenas diversão para se tornar comunhão. Até os Beatles sacaram que não dava para continuar no iê-iê-iê. A exaltação do piscodelismo, o refinamento do progressivo, o glitter exagerado do glam e muitas outras variáveis ajudaram a difundir (e confundir) o rock como ideia para além de si mesma. Não era só rebeldia juvenil; era vida transpirando, viagens sem destino à procura de uma essência. Ou nada disso. Pelo meio do caminho, a união dos talentos de João Ricardo (vocais, violão e harmônica), Ney Matogrosso (vocais) e Gérson Conrad (vocais e violão) retumbaria na deslumbrante Secos & Molhados, uma das bandas brasileiras mais influentes na história da música. E nem vamos entrar no mérito da pintura facial do grupo anteceder aquela da banda de rock (ou loja de produtos personalizados?!) chamada Kiss. Os álbuns de 1973 e 1974, ambos chamados apenas Secos & Molhados, são os únicos que incluem o trio original e trazem o vocal-líder insubstituível de Ney. Letras curtas e viciantes somadas às harmonias elaboradas prescreviam um outro rock nacional que poderia falar de tudo: da latinidade do sangue ao homem que vira lobisomem, das terríveis consequências da bomba de Hiroshima ao verme que passeia na lua cheia. Como o melhor do rock, não há limites. Secos & Molhados foram tão geniais – um fenômeno de vendas de discos – quanto efêmeros em sua formação clássica. Dois álbuns indispensáveis para quem curte rock’n’roll no Brasil ou em qualquer lugar do mundo.

Rádio Pirata ao vivo (1986), de RPM

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

Com mais de três milhões de cópias vendidas, Rádio Pirata ao vivo se tornou um dos principais discos-fenômenos do rock e da música brasileira nos anos 1980. No álbum, uma sequência inesquecível de hits gravados durante um show em São Paulo. Quem só acompanhou o rock nacional a partir do sucesso explosivo dos Mamonas Assassinas nos anos 1990 pôde ter uma vaga ideia do que o RPM causou anos antes. A música Revoluções por Minuto foi proibida de ser executada nas rádios e em locais públicos – resquícios dos anos de chumbo. Havia alguma coisa errada com o rei!

Hidden Treasures (2011), de Amy Winehouse

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

Demora para acontecer. E é raro. Raro demais. ‘inda assim, aparecem talentos que não se podem explicar, mas sentir. E, muitas vezes, eles se vão cedo demais. Na música, quanto tempo leva para surgir alguém como Billie Holiday, Janis Joplin ou Amy Winehouse? Vozes que se distinguem por uma técnica particular. Vidas que se parecem pelas decisões erráticas e autodestrutivas. Contemporânea deste século XXI, Amy estourou mundialmente em 2003 como álbum Frank. Em 2011, unia-se ao grupo dos que partiram aos 27 anos, do qual já faziam parte ídolos musicais como Jimmy Hendrix (1942-1970), Janis Joplin (1943-1970), Jim Morrison (1943-1971), Ian Curtis (1956-1980) e Kurt Cobain (1967 -1994). Ainda em 2011, o álbum Hidden Treasures (2011) foi lançado postumamente, incluindo músicas compiladas de Amy Winehouse. Há canções gravadas entre 2002 e 2011, passando, então, por praticamente toda a carreira da cantora britânica. As músicas sem lançamento e demos foram escolhidas pelo DJ, produtor e compositor Mark Ronson, parceiro da cantora na regravação de Valerie. Os tesouros escondidos incluem versões da balada romântica sessentista Will You Still Love Me Tomorrow, de Garota de Ipanema (em sua versão internacional The Girl from Ipanema), do standard jazzístico Body and Soul, cantada em dueto com Tony Bennett, entre outras.

The Concert in Central Park (1982), de Simon & Garfunkel

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

Faltavam poucas semanas para eu nascer quando Paul Simon e Art Garfunkel gravaram esse surpreendente show em 19/09/1981. Mesmo assim, de alguma maneira, eu lá estava – em pensamento, com o coração quase formado física e metaforicamente. E assim me juntei as mais de 500 mil pessoas presentes ao Central Park, em Nova Iorque. A década de 1980 ainda estava por se descobrir; e a dupla Simon & Garfunkel voltava a se reunir após 11 anos afastada. Tudo conspirava favoravelmente. Logo, o film de tarde e a noite do parque mais famoso do mundo receberam diversos hits da dupla de folk rock. Canções como Mrs. Robinson, Scarborough Fair e The Boxer acalentaram corações nascidos e por nascer. E, evidentemente, Bridge over Troubled Water ganhou uma de suas mais inesquecíveis interpretações por Garfunkel. Depois disso, o Central Park jamais foi mesmo; felizmente.

Top Gun [Trilha Sonora] (1986)

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

Ainda acredito que a maior contribuição de Top Gun (1986), dirigido por Tony Scott, tenha sido sua trilha sonora. Num filme clichê da turbina à cabine do avião, nada como uma rivalidade entre caubóis do ar, uma disputa entre nações e um relacionamento amoroso entre Tom Cruise e Kelly McGillis. Felizmente, o namoro na força aérea americana era conduzido pela canção Take My Breath Away, da banda new wave Berlin. E se a Berlin gravou alguma coisa para além deste tema de amor ninguém nunca ficou sabendo. De fato, Take My Breath Away embalou muitas festas de jovens e adolescentes nas décadas de 1980 e 1990. Era o hino de quem ansiava por perder o fôlego ao dar o primeiro beijo. Um hit romântico que ajudou a definir a última década legítima do século XX, já que os anos 1990 têm muito mais a ver com o novo milênio do que com o período que lhe antecedeu. A trilha sonora ainda trazia a pop Danger Zone por Kenny Loggins (talvez a canção mais associada ao filme de Scott) e o rock instrumental Top Gun Anthem, composto por Harold Faltermeyer & Steve Stevens para servir de tema geral da película (mas que acabou se tornando também música de fundo para qualquer reportagem de televisão sobre aviação dali em diante). Para ver em slow motion enquanto você vira e diz o que é preciso.

The Wall (1979), de Pink Floyd

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

Numa época não tão longínqua assim, álbuns musicais eram o cerne do cenário fonográfico. Shows, clipes e outras variações na forma de ouvir/consumir música eram relevantes, mas não possuíam o peso de um disco (long play, fita k7 ou, mais recentemente, cd) composto tendo sobre si o peso de um conceito. Diferente das coletâneas, os álbuns conceituais quase sempre traziam uma ideia unificada concatenando os diversos elementos das canções. Ainda assim, claro, era possível falar de amor e política, de tristeza e de educação, de guerra e de solidão. Em The Wall, décimo primeiro álbum de estúdio da banda britânica de rock Pink Floyd, são justamente as barreiras e os muros que ligam uma experiência pessoal e mundana. Muros mentais estão lá com Nobody Home: a casa vazia de quem não atende ao telefone em contraparte ao desespero solitário do autor. Muros da repressão que não deixam crianças em paz nas três partes de Another Brick in the Wall: professores despejando escárnio porque os alunos não precisam desse tipo de educação. Muros fronteiriços que entorpecem a visão do horizonte com Comfortably Numb: o navio distante (ou apenas a sua fumaça) num vislumbre passageiro de quem deixou-se crescer sem dar por isso. Lançado em 1979, The Wall nunca perdeu o vigor tanto pela virtuose de seus músicos, quanto pela sensação de permanência dos problemas ancestrais da sociedade. Porque desde sempre há os donos do muro e aqueles que são apenas outros tijolos.

As adaptações de Stephen Hawking

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

Parece não haver dúvidas de que a mente científica mais brilhante do século XX tenha sido a do físico teórico alemão Albert Einstein. Popular mesmo entre os não iniciados, o imaginário coletivo legou ao criador da Teoria da Relatividade o título de gênio, feito que poucos notáveis realizaram, caso do também físico Stephen Hawking. E para além dos feitos de Einstein, as adaptações pelas quais passou Hawking ao longo de sua vida foram ainda mais surpreendentes que seu trabalho de divulgação científica.

Nascido na Inglaterra, Stephen Hawking enfrentou desde muito jovem uma rara doença sem cura, o que lhe paralisa os músculos do corpo sem atingir a capacidade intelectual. E que capacidade! Adaptando-se às dificuldades, recebeu as mais importantes premiações mundiais na área das ciências (inclusive a Medalha Albert Einstein, em 1979). O autor popularizou o conhecimento da física e do cosmo com obras que se tornaram Best Sellers, quais sejam Uma Breve História do Tempo: do Big Bang aos Buracos Negros e O Universo numa Casca de Noz, entre outras.

Como bom professor, suas publicações são verdadeiras aulas sobre a vida e as leis que regem o Universo. Não por acaso, Hawking é uma verdadeira celebridade contemporânea, com participações em diversos programas de televisão, sendo a mais lembrada na série Jornada nas Estrelas: A Nova Geração.

As contribuições do cientista inglês poderão culminar, segundo seus próprios dizeres, numa Teoria de Tudo, donde será possível explicar a existência de maneira definitiva. Assim, quando nos deparamos com uma situação sem explicação, seja no trabalho ou na vida particular, parece que essa busca por uma origem comum – do caos à ordem – que Hawking vem executando imóvel em sua cadeira de rodas pode dar sentido àquela eterna necessidade de nos adaptarmos ao mundo. Pode parecer coisa de gênio, mas é algo tão essencial quanto o próprio universo.

Adaptar-se para mudar o mundo: Hawking mostrou como isso é possível aos que desejam ser bem sucedidos.

Não escreva romances! Escreva novelas!

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

Antes de tudo, um alerta para quem encontrou esse texto pelo título. Escreva o que você quiser. Eu, particularmente, acho que todo mundo pode escrever o que bem entender. Se estiver dentro da lei, toque adiante. Então, por que não escrever romances? Simples: romances exigem um mínimo de comprometimento para o qual, talvez, você não esteja preparado. Numa narrativa tão longa, é muito fácil se perder em contradições, furos de roteiro e personagens confusas ou mal construídas.

Entretanto, reitero: cada um sabe de si. Aceite o convite se assim o quiser. Aceitou? Então, vamos às novelas.

Claro, cabe um alerta inicial: estou falando aqui de novelas literárias, textos situados em tamanho e em estrutura entre os contos e os romances. Quem está pensando em novelas como aquelas das redes de televisão e dos serviços de streaming, lamento informar, caiu de paraquedas no meio do deserto. Não vai ter nada por aqui para quem ambiciona ser o próximo Dias Gomes ou a próxima Glória Perez. Então, novelistas e noveleiros, favor se dirigirem ao terminal de embarque.

Continua por aqui? Então preste atenção no início: o argumento. O motivo para uma novela pode ser quase nada, uma ideia miúda como aquela maçã que caiu na cabeça do Isaac Newton. Como escreveu Machado de Assis: “Palavra puxa palavra, uma ideia traz outra, e assim se faz um livro, um governo, ou uma revolução, alguns dizem mesmo que assim é que a natureza compôs as suas espécies”. Definido o argumento, temos aí o sentido de escrever. Não importa se a ideia tem mais a ver com o começo, o meio ou o final da obra literária em si. É a faísca que acende a fogueira, seja de cima para baixo, seja da metade para o final. As chamas vão arder de qualquer maneira. Por isso, convém manter uma distância segura, para se aquecer e, ao mesmo tempo, não se queimar.

Trazemos a metáfora do fogo para a escrita: tenha intimidade com a história que você vai desenvolver. Se deseja falar de robôs que não existem, alienígenas ou monstros, ainda assim, recorra às situações com as quais você se relacionou ao longo da sua vida. Use os fatos vividos, presenciados ou observados à distância por meio de livros, filmes, histórias em quadrinhos, esculturas etecetera e tal. Essa bagagem vai embasar seu estilo. Se não fizer isso, existirá uma grande chance de você chegar ao final do escrito com uma trama vazia, cheia de intenções mal desenvolvidas, burocráticas e nada empáticas.

Escrever pode não ser tão prazeroso para a maioria – e quase nunca é mesmo. Em geral, os autores gostam de ter escrito, não necessariamente de estar escrevendo. Como avisei no início, escrever requer um mínimo de comprometimento. Mas, diferentemente do romance, sua novela pode se desenrolar sob uma atmosfera mais leve, até mesmo descompromissada. Nesse aspecto, novelas, contos e crônicas são como irmãs que assistiram as mesmas aulas.

Aqui, então, vai outra dica: não se arrisque em novelas se nunca escreveu contos ou crônicas. Veja bem, não é uma exigência ou um conselho, mas uma dica para se divertir com as palavras. Ninguém começa numa academia de ginástica com os halteres mais pesados. Deixe a preguiça minimamente de lado e escreva contos ou crônicas de uma única página. Com eles, você vai entender o escritor que já é. Quanto mais escrever, também pode descobrir o escritor que quer ser e que pode ser. Não adianta se espelhar em Shakespeare ou Dostoiévski sem nenhuma base para tal. Só poucos conseguem. Se você conseguir, tanto melhor. Se não conseguir, ainda assim pode escrever com a dignidade que cabe a todo artista.

Depois do argumento, pense em personagens passíveis de se envolver em problemas. Na vida real como na ficção, resolver ou não um problema tem a ver com a própria existência. É trivial, mas sobremaneira importante. Após o nascimento, vem o primeiro problema: a fome. E, logo em seguida, a solução: o alimento. Assim acontece para todo mundo. Os anos passam e os problemas só se amontoam. As personagens da sua história precisarão lidar com os problemas de um jeito que o leitor não perca o interesse pelo que virá a seguir. Se as personagens vão se sair bem ou mal, isso depende das características que elas receberam, das relações delas com as forças além do controle e, principalmente, do grau de empatia de você para com elas. O autor é onipotente, mesmo quando se deixa levar pela própria história. Por isso, aqui, mais uma dica: saiba para onde está indo. Alguns dos grandes autores só começam a desenvolver o argumento inicial se conhecem o final da trama. Talvez não seja necessário ter um desfecho detalhado antecipadamente; basta que o problema central da sua narrativa chegue a um ponto sem volta. Aquele momento em que você revela ao leitor, finalmente, porque precisou da companhia dele até ali. Podemos chamar isso de ponto-de-não-retorno ou de clímax. O que vier depois é apenas consequência.

E como tudo parece ter causa e consequência, uma história linear também lhe ajudará a não se perder durante a escrita. Claro, lembranças, flashbacks e afins surgem de quando em quando, mas isso não deve impedir você de manter a ação sempre em frente. As personagens podem ou não aprender algo ao longo da história; vai depender da sofisticação do caráter de cada uma. Mas, se a linearidade existir, elas devem obrigatoriamente estar em pontos distintos quando do início e do fim. Se não houver movimento, o nada deixa de ser uma possibilidade dramática (aquilo que chamamos de niilismo) e se transforma em mero tédio ou em expectativa frustrada. Dentro disso, podemos definir que os chamados clichês não são responsáveis por estragar o argumento inicial. Pelo contrário; se bem administrados, clichês transmitem uma sensação de verossimilhança e ajudam a compartilhar a intimidade entre leitor e autor. Afinal, lemos as variações das mesmas histórias desde sempre.

Por último, não se acanhe em mergulhar num universo só seu. A perda da dignidade autoral tem início quando aquilo que te orienta na escrita é agradar ao seu hipotético leitor. Lide com as palavras como bem entender. Não facilite no vocabulário que você domina. Deixe fluir os parágrafos com a sinceridade que lhe é peculiar. Faça parágrafos longos ou curtos. Seja rebuscado ou coloquial. Escrever é ato solitário. Aproveite toda a liberdade de ser o único que existe à sua maneira e não tenha vergonha de utilizar as referências. Deixe que os outros se preocupem com o que é ou não é original em sua obra. Faça da sua verdade a única possível nesta história. E, evidentemente, não copie. A lei é clara e o plágio é crime.

As novelas, justamente porque situadas entre o conto e o romance, expandem um pouco mais os desejos sem invadir totalmente a catarse no horizonte. Escreva a sua novela e tenha a satisfação de ter feito o melhor que poderia.

Algumas considerações sobre o jornalismo impresso

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

Novas tecnologias sempre são um desafio. Estabelecer limites, parâmetros, regras gerais, uma ética própria… nunca é um caminho fácil. Com o jornalismo impresso, as lógicas antigas foram colocadas pelo avesso quando da chegada massiva da internet. A mesma comodidade que não te faz sair de casa e matou as videolocadoras também inibe a compra espontânea da mídia impressa. Revistas em circulação há décadas desapareceram. Jornais de papel migraram para os sites. A competição online é maior, mas o fluxo das informações está inequivocamente ligado à força do capital – como todos os negócios. Ainda que alguns se vejam como super-heróis disfarçados, o jornalista e a jornalista são profissionais como quaisquer outros. Sujeitos aos mesmos vícios e qualidades, dilemas éticos e financeiros, sejam empregados ou empregadores. De modo geral, a questão dos jornais diários parece, de longe, a que chama mais atenção. Desde sempre, o jornalismo diário tem sobre si a foice do tempo, ceifando o aprofundamento que se faz tão necessário quanto maior a complexidade do tema. As duas últimas décadas do século XX e a as duas primeiras do XXI como que aprofundaram a crise da produção. Ora por ter adversários com mais recursos (a televisão, pois), ora por lidar com a onipresença do virtual. Tudo isso aconteceu, essencialmente, nos jornais bancados por grandes empresas e, portanto, amarrados às linhas editoriais que quase sempre privilegiam uma elite cheia de si. Nesse ambiente, alguns poucos excelentes profissionais se destacaram, evidentemente. Ainda assim, quem ousaria bater de frente com a política editorial dos patrões? Daí que o jornalismo é um negócio, com interesses próprios. O que não é necessariamente ruim, desde que o leitor saiba o que está comprando. E há a questão das verbas governamentais, distribuídas majoritariamente entre os veículos mais ricos justamente para manter o apoio institucional que um país tão desigual quanto o Brasil impõe. Nesse ínterim, coexistem os jornais de bairro, em sua maioria trabalhando por migalhas de prefeituras ou governos estaduais, dispostos a quase tudo para manter a circulação (que tem muito mais apelo à comunidade próxima do que um jornalão a resenhar o país e o mundo) e pagar as contas. Tudo, mas tudo mesmo, sempre esteve ligado à forma e ao conteúdo – sobretudo nas ciências sociais que lidam com objetividades cada vez mais diluídas num universo de ideias que aceita tudo. Não haverá jornalismo de qualidade sem talento, sem universidades e professores comprometidos com um sistema educacional plural e que exijam do aluno a não-conformidade. É preciso pensar e acreditar que o leitor tem esta mesma capacidade de, humildemente, saber-se ciente de si e dos outros. O Estado também precisa fazer a sua parte, apostando numa mídia muito mais variada, com pequenos núcleos espalhados por todo o país empoderando as comunidades locais, investindo na própria mídia institucional gerida por conselhos da sociedade civil, para fugir do autoritarismo que sempre atrai os que têm a caneta na mão. O jornalismo precisa voltar a fazer sentido se quiser continuar relevante.

Florianópolis e os nomes capitais

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

Ainda que seja uma abstração humana, o tempo está aí feito aquele convidado indesejado. As ruas e outros locais públicos de uma cidade também têm seu próprio tempo: uma história singular que as colocam numa estreita sintonia com o desajeitado percurso da humanidade.

Nesta Florianópolis que os humanos aterraram além da conta, algumas de suas principais ruas, praças e até mesmo a própria cidade já tiveram seus nomes alterados em função da forma de governo vigente.

Vejamos o caso da praça onde nosso maior monumento vivo, a figueira centenária, descansa solenemente. O local marcou o nascimento da Vila de Nossa Senhora do Desterro. Francisco Dias Velho, o fundador deste pedacinho de terra, construiu sua casa no mesmo lugar em que hoje se encontra a praça, além de erguer uma capela que ocupava o local da atual Catedral Metropolitana. Naquela época, em 1678, a comunidade que ocupava a Ilha era então composta por aproximadamente 400 pessoas. No período de 1748 a 1756, seis mil açorianos aportaram na vila e agregaram outros aspectos culturais às vidas dos moradores já estabelecidos. Em 1823, um ano após a proclamação da Independência do Brasil, o imperador Dom Pedro I elevou Desterro à categoria de cidade. A Ilha era a capital de Santa Catarina, província do Império. Em 1889, o marechal Deodoro da Fonseca proclamou a República e o dia do ato, 15 de novembro, daria nome à praça mais famosa da Ilha.

E, agora, nossa atenção se volta para a própria Ilha: com a renúncia de Deodoro em 6 de setembro de 1893, Floriano Peixoto assumiu seu lugar. Alguns revoltosos da Marinha, porém, se dispuseram a derrubar o novo presidente. Mas Floriano conseguiu desmantelar a revolta. Em Santa Catarina, alguns revoltosos tiveram um desfecho trágico: na Fortaleza de Santa Cruz, situada na Ilha de Anhatomirim, cerca de quarenta presos políticos foram fuzilados. Em 1º de outubro de 1894, o governador Hercílio Luz trocou o nome de Desterro para Florianópolis, em homenagem a Floriano. A Ilha ganharia seu nome atual às custas do sangue derramado. E o nome de Hercílio Luz seria utilizado por todo o município, incluindo a mais antiga ponte que une a Ilha ao continente, a praça nas proximidades da mesma ponte, uma avenida no centro da cidade, etc.

Outra homenagem de gosto duvidoso está presente na Rua Felipe Schmidt, que antes se chamava, pela ordem, Rua Bela, Rua Bela do Senado e Rua da República. Já a atual Rua Conselheiro Mafra chamava-se Rua do Príncipe. Deduzimos, pois, que o tal Príncipe em questão perdeu a coroa quando da Proclamação da República. Assim, os bons conselhos do Sr. Mafra tomaram-lhe a alcunha do logradouro.

Que histórias estes locais urbanos ainda guardam? E até que ponto as mudanças alcançarão nossas esquinas do passado? Fosse possível viajar pelo tempo, recuar às lembranças ou avançar no inimaginável, quão extraordinário seria visitar estes lugares que nos são tão próximos. O curioso é que nem sempre percebemos que o tempo da cidade é tanto aquele no qual vivemos quanto aquele que a história conta.

Sobre a crítica

~ Evandro Duarte ~ Deixe um comentário

A crítica por si só é um motivo de admiração contida, mesmo que seja contrária ao produto-objeto em si, traduz-se como fenomenologia típica de um prazer necessário, espécie de catarse emotiva, de afeto conflituoso, donde apenas os cernes são levados em conta, quando não são efêmeros ou meramente subprodutos de uma cultura evidentemente de massa. A tradição da crítica é, em termos, um anticonsenso pré-estabelecido por suas próprias amarras intelectuais. Em outras palavras, não há como ligar única e exclusivamente uma cultura ou tradição da crítica diretamente aos produtos culturais que a originam. Tal discurso seria possivelmente nefasto e hediondo, uma brincadeira de mal gosto cuja volúpia por si mesma é tamanha que não encontra os próprios pés. Não há termos paradigmáticos, pois, que legitimem um discurso desprovido de consenso ulterior.