Ladrões de Bicicletas (1948), de Vittorio De Sica, e Marcelo Zona Sul (1970), de Xavier de Oliveira


Que devir é este que se oculta pela próxima esquina? O ir-e-vir não se abate pelo trânsito em julgado, como aqueles grandes filmes que se sustentam numa história mínima e, justamente por isso, relevante como o preencher do universo. Em jornadas que não se querem Road Movies, podemos situar com alguma empatia nostálgica tanto Ladrões de Bicicletas (1948), de Vittorio De Sica, quanto Marcelo Zona Sul (1970), de Xavier de Oliveira. Pedir carona após a inadequação social ou recompor a vida pedalando num país destruído por uma guerra: a simultaneidade está na equivalência de um sentimento que não pode ser medido.

Em Ladrões de Bicicletas, Vittorio De Sica reduz as esperanças de uma vida parada, ainda que em reconstrução, ao objeto típico de cidades pequenas, meio de locomoção que faz o tempo-ele-mesmo se recompor: a bicicleta. O ressurgimento independe de outras objeções qual não seja a vontade, nada mais que aquela vontade. Engana-se quem pensa na redescoberta de uma Itália que busca um rumo diferente pós-Segunda Grande Guerra; está muito mais para um dissabor que se assume como sincero e oneroso. Muito mais uma compreensão do que propriamente um perdão. Talvez daí a escolha de tornar o filho mais eloquente que o pai. E De Sica nos deixa a questionar a importância de ser coadjuvante ou principal – e assim o fazem também Lamberto Maggiorani e Enzo Staiola, pai e filho na película.

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Enzo Staiola e Lamberto Maggiorani em Ladrões de Bicicletas

Noutro país, a dor novamente compartilhada. Porque tudo se transforma em tema político e também cultural, impossível dissociar Marcelo Zona Sul de seu tempo. Apenas dois anos após o governo brasileiro decretar o Ato Institucional n.º 5, um casal de adolescentes faz valer o hoje. Num país comandado por militares, Marcelo desobriga-se das leis, da tradição familiar, da rigidez escolar. O tempo dele é o presente porque sente que seu lugar é o mundo. Conhecê-lo, mesmo que seja pedindo carona, está para si como uma obrigação moral. Até sua namorada compartilha dessa angústia que se transforma em desejo. Eis a vontade, outra vez, pedindo licença. Xavier de Oliveira se ambienta nesse cinema ciente de suas influências, vide a própria otimização do preto e branco quando a cor já se fazia aquarelar. Ainda que jovens, Stepan Nercessian e Françoise Forton sustentam suas personagns numa dor sublime e subliminar típica da idade.

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Françoise Forton e Stepan Nercessian em Marcelo Zona Sul

Ladrões de Bicicletas e Marcelo Zona Sul têm desfechos semelhantes, invertendo o final feliz em função de uma novidade mais crua (Neorrealismo italiano / Cinema Novo brasileiro). Nalguma medida comparativa, as tristezas se equivalem quando ocultas, justamente para permanecerem belas.

Noite Vazia (1964), de Walter Hugo Khouri


Estruturado numa ideia icônica do outro, Noite Vazia (1964), do brasileiro Walter Hugo Khouri, dificilmente conversa com a produção cinematográfica da época. Como no cinema de Ingmar Bergman, os espaços vazios (ainda que amplos) pontuam os planos quase sistemáticos. A lente do diretor traz o foco para dentro, dando voltas neste filme-esfera. A ambiguidade marca um tipo de cinema brasileiro que nunca chegou a existir. Com Noite Vazia, a não-verdade se faz em duas cores (preto e branco) apenas porque o colorido lhe tiraria toda a ausência que lhe é inerente. Na solidez da imagem, a solidão alheia vem numa conversa sem avisos. Noutro país, alguns anos antes, teria sido a Morte jogando xadrez ou um padre sem fé: leitmotiv de um cinema gritando pela inexistência do outro. Woody Allen tentou algo semelhante com Interiores (1978), mas não logrou o mesmo êxito de Khouri. Diane Keaton não possui os olhos de amargura qual Norma Bengell.

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Django (1966), de Sergio Corbucci, e Django – A Volta do Vingador (1987), de Nello Rossati


Três anos após o nascimento de Quentin Tarantino, estreava nos cinemas a película Django (1966), de Sergio Corbucci. A personagem título, a quem Tarantino homenagearia em seu primeiro faroeste, o revisionista e estrambólico Django Livre (2012), apareceu sob o expressivo olhar de Franco Nero. E a lenda, como convém ao gênero, surgiu numa cidade feita de areia, sangue e madeira.

O Western Spaghetti de Corbucci difere daquele realizado por Sergio Leone por um sutil mistura de rigor e prazer. A vingança de Django tem de atender aos seus desejos, mesmo que seja preciso dissimular a dor – uma característica inevitável da história do grande cinema. Leone prolonga o tempo como que a reescrever a História, e Corbucci afasta a linha temporal porque suas personagens não existem para se transformar: elas são o que são, assim como o cinema é o que está na tela.

Ainda que seja amado, Django não quer saber de nada além de cumprir seus dias. O amor que um dia teve se foi com a mulher que amava, assim como sua esperança afunda com seu caixão repleto de ouro numa areia movediça sob uma inconstante ponte de madeira. A partir daí, sobra apenas sangue em suas mãos (torturadas, pisadas, quebradas) e a partir delas (na difícil tarefa de empunhar uma arma sem usar os dedos).

Franco Nero jamais entrega sorrisos por inteiro, ciente da pesada carga que sua personagem terá de carregar – como aquele caixão que puxa sobre a imundície lamacenta de uma cidade abandonada. Protegido pela madeira, Django molda suas histórias como um carpinteiro a fabricar suas obras. Para matar se faz necessária a proteção, que se esconde dentro do caixão, ou atrás do tronco da árvore a lhe servir de trincheira, ou mesmo na cruz de uma lápide de alguém que amou. A vingança é um traje a rigor numa lúgubre festa alheia.

Mais de vinte anos após estrelar o filme de Corbucci, o ator Franco Nero voltaria a encarnar o pistoleiro uma segunda vez. Coube ao pouco competente Nello Rossati dirigir Django – A Volta do Vingador (1987), uma produção bastante duvidosa que tem o único mérito de colocar ao lado de Nero o excelente Donald Pleasence, como um professor especialista em borboletas e mariposas. Mas o retorno de pistoleiro após ter vivido como monge num monastério se dá numa história desajeitada que culmina numa cena indigna de uma sequência de Braddock ou Rambo.

Além de Nero, outros atores interpretaram Django num punhado de filmes realizados na Europa. Mesmo no Japão a lenda ganhou olhos puxados na película Sukiyaki Western Django (2007), de Takashi Miike – produção que traz uma participação especial de Tarantino como ator.

Em se tratando dos Djangos, o original vence todos os duelos, inclusive contra si.

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Os Violentos Vão Para o Inferno (1966), de Sergio Corbucci


Porque nativo daqueles tempos nos quais as armas eram a lei, Os Violentos Vão Para o Inferno (1968), de Sergio Corbucci, leva para o túmulo causas e consequências. Os fins são os próprios meios nesta ode à sujeira que parece jamais deixar o corpo e alma. Até mesmo as personagens são vistas de longe, como se a totalidade da imagem suja fosse mais importante que um detalhe sublime. E a trilha de Ennio Morricone transforma essa sujeira na poesia bruta na qual se prolonga a mise-en-scène de Sergio Corbucci.

Franco Nero, repetindo a parceria com o diretor de Django (1966), fica numa tênue fronteira de seus trabalhos mais sérios, como o próprio Django ou mesmo Keoma, e aquele gênero quase-circense de Terence Hill nos filmes de Trinity. Por quase-circense entenda-se as referências explícitas em Os Violentos Vão Para o Inferno: os palhaços em si e a atuação estranha de Jack Palance como Curly (nome do mais popular entre os Três Patetas). Mas Corbucci se resigna apenas às homenagens hollywoodianas ou ao western spaghetti. Também o diretor simula a essência de uma época conturbada da história estadunidense: a dificuldade com que as pessoas tinham de lidar com a sujeira de suas próprias vidas, mais terrível do que a areia que impregnava as cidades do Oeste antigo.

Sergei Kowalski, o Polaco, não se importa com nada, salvo aquilo que lhe proporciona satisfação pessoal. Aqui o caráter rebuscado do cidadão americano médio; aquele que se faz sozinho e conquista o que for se tiver gana ou ganância. O infeliz título em português-brasileiro – Il Mercenario, no original – não faz qualquer sentido, posto que aqueles homens e, mesmo, algumas mulheres daquela época reimaginada, estão menos interessados se vão parar no céu ou no inferno do que em quaisquer outras coisas. Sobre todos pesa uma questão muito maior: o gatilho da arma vai ou não promulgar a sentença?

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