Ela não está TÃO a fim de você (2009), de Ken Kwapis


Os clichês sobre os relacionamentos não são, em essência, a parte problemática do filme Ela não está TÃO a fim de você (2009), de Ken Kwapis. Comédia romântica à parte, soa verossímil as intenções dramáticas de algumas boas subtramas, como aquela do marido que descobre uma nova vida após o casamento ou aquela do casal que se completa com opiniões diferentes (ela quer casar, ele não) e alguns embates. A questão toda está em pautar a obra nos diálogos, quando alguns bons silêncios diriam qualquer coisa que ainda não sabemos. Em alguma medida, isso acontece brevemente nas cenas entre Ben Affleck e Jennifer Aniston, justamente o casal que não se entende sobre o matrimônio. Assim como Alejandro Agresti utilizou os diminutos dons dramáticos de Keanu Reeves e Sandra Bullock em A Casa do Lago (2006) para construir uma cena aberta, Ken Kwapis pega a dupla menos talentosa da produção e lhes propicia a melhor história, numa acertada relação entre diálogos e sobriedade cênica. Mesmo a câmera se assemelha à concepção de Agresti para A Casa do Lago, com suas idas e vindas sem cortes, mas Kwapis ainda tem muitos vícios de TV, onde parece se sentir mais à vontade e onde mais trabalha (vide sua ficha no IMDB). Ainda há que se lamentar por comparação a apagada performance de Drew Barrymore: uma atriz de vigor em comédias deste gênero, mas que entra e sai de cena apenas como um suporte aos outros enredos. Outrossim curiosa é a autoaceitação de Scarlett Johansson como uma sedutora mulher inteligente: a atriz bem que poderia fugir disso, se quisesse, mas o beijo em Sandra Bullock na cerimônia do MTV Movie Awards não deixa de ser um sinal que a atriz não está se importando com nada disso. Bem, para quem é musa de Woody Allen, o resto é resto. Por falar em resto, a película se ambienta justamente no que parece ser restos de histórias que, em não sendo suficientemente fortes sozinhas, fingem-se das melhores partes no enredo de um longa-metragem. Pena que os espectadores não estejam TÃO interessados assim em você, ou melhor dizendo, no filme.

elanaoesta

Missão: Marte (2000), de Brian De Palma


Poderia ser uma obra-prima da ficção espacial. Poderia até mesmo ser uma visão definitiva sobre a evolução humana. E, apesar destes indícios, ora visíveis, ora escondidos, Missão: Marte (2000), de Brian De Palma, é uma obra-prima sobre a gentileza.

A ideia de conquistar o espaço não é apenas um sonho qualquer que habita o coração dos mortais. O conceito de cosmos, quase tão antigo quanto a própria filosofia, equivale àquela paixão pelo outro: tudo o que nos distingue dos outros animais. A fronteira final é, por assim dizer, um convite ao reencontro com nós mesmos. Homens e mulheres que se descobrem e se conhecem e se respeitam e, claro, são gentis uns com os outros porque aceitam essa presença mística de uma verdade sempre maior. É esta verdade que se prende ao coração de Jim McConnell (Gary Sinise, sempre ótimo quando encontra um diretor de talento equivalente) desde a morte de sua mulher. A chama que havia nela, essa ansiedade por uma resposta infinita, preencheu o espaço de seu corpo e o tempo de sua mente. Viver não é preciso, mas além: é urgente!

Inesperadamente, qual grande autor que aprende com a prática, De Palma racionaliza os pontos de ruptura em sua película como fosse possível compreender todo o universo na história de uma única alma. É desta forma que as atenções se alternam entre o vazio do espaço em si (na estação espacial e na nave de resgate) e as texturas de vida glorificadas (na Terra, em Marte e, claro, em cada personagem). Gentilezas que geram gentilezas, qual a frase-feita de camisetas neste novo milênio, abrem não só as expectativas para com Missão: Marte como também descerram os trabalhos seguintes do diretor, com uma singular relevância no ultra-performático Femme Fatale (2002). Veja que, dentro da nave marciana, a porta se abre no formato de uma tela de cinema, convidando os astronautas a conhecer uma história que é a de todos nós.

De alguma forma, Woody Blake (Tim Robbins, numa solenidade sóbria como lhe condiz) é quem dá o tom desta ópera composta por De Palma, mas conduzida com o genuíno amor de um maestro do porte de Ennio Morricone. E essa serenidade de Blake – soldado que é/foi a dar os braços com a paz – deixa em evidência uma grandeza humana que se sobrepõe a quaisquer fragilidades de seus companheiros. Blake é uma luz, uma bússola orientando outra possibilidade de perceber a vida e o cinema nestes novos tempos. E, por isso, ele se sacrifica. Não há glória sem dor. Não existe gentileza sem um pouco de tristeza.

Os que acusam o cineasta de ser um autor preocupado em demasia para com a plasticidade de seus planos, cenas e sequências deveriam assistir mais filmes. Sim, porque há uma crítica barata feita por preconceitos e vaidades insustentáveis de quem fala de cinema às cegas. Uma academia que se finge culta, mas que se revela na verborragia precária de seus parcos discursos. De Palma é um ícone aleatório contra o cult-frívolo e o pop-artístico (?!). Não por acaso, situa-se incomodamente numa curiosa turma de amigos, diretores que tiveram um início estupendo e terminaram por acatar o lado efêmero da sétima arte – seus colegas, a saber: Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg e George Lucas.

Sem intransigência, Missão: Marte é a definição de um conceito que sempre esteve ao lado dos grandes artistas: fazer arte é dar ao ego o único respeito que ele merece. E De Palma merece essas palavras gentis.

missaomars

Roteiro para um amor perdido


Uma metrópole qualquer. Tarde. Junho de 2005. Uma rua antiga e decadente do centro da cidade.

Entrei num daqueles sebos escondidos, de gosto duvidoso, que se espremem em meio ao caos urbano, entre uma rede de fast food e uma loja de telefonia celular. As coisas tinham um aspecto cinza e ao mesmo tempo colorido nessa época do ano, não sei se por causa das folhas de árvore desbotadas e levadas pelo vento, ou devido ao arco-íris de outdoors fazendo sombra para as janelas do velho casario.

De qualquer forma, lembro que meu rosto parecia pesado, com olhos que insistiam em permanecer fixados no chão, ainda tentando recordar das folhas amarelas de árvore, como se de algum modo elas pudessem ser trazidas, flutuando, até aquele sebo. Quem sabe uma dessas tais folhas caísse sobre um certo livro que salvaria minha vida, ou perto de um disco de vinil menosprezado que fizesse meu coração tocar.

Finalmente levantei os olhos e percebi o espaço, as prateleiras repletas de livros e revistas antigas, a pouca luz, alguns cantos interessantes. Dei dois ou três passos indecisos ao redor do local, a mão e os dedos se arrastando pelas capas e seções mais distantes. Podia quase ouvir uma dessas cantoras de jazz no cheiro doce das publicações bem arranjadas. Os poetas ultra-românticos brindavam e cantarolavam ao lado dos futuristas, os quadrinhos festejavam com revistas pornográficas: tudo me olhando como se eu fosse talvez um tipo de anomalia.

Enfim. Começa a chover lá fora, e eu ainda nem sei bem o que faço ali. Havia perdido meu guarda-chuva semanas atrás, quem sabe era isso que eu procurava lá dentro. Volto a olhar pro chão, talvez estivesse ali, em algum lugar, sentindo minha falta. Não o vejo, e uma daquelas folhas amareladas das árvores entrou no sebo, assim com tudo, quase que por vontade própria, já meio molhada, já meio rasgada, já meio cansada.

Ela ficou ali parada um instante, junto à entrada; não me indicava nem a seção de filosofia existencialista nem a de ficção. Um par de tênis entra na loja e pisa sobre a tal folha, sem percebê-la: era um Adidas. Levantei mais uma vez os olhos: era uma garota.

A garota parecia confusa, os cabelos curtos e molhados, uma jaquetinha jeans azul e uma saia preta. Fiquei atônito, ela tentava se secar. Corria as mãos pelos cabelos pretos e o rosto branco, eu tentava decifrá-la. Devia estar em comunidades do Orkut como “Eu amo Franz Ferdinand”, “Adoro cinema europeu” ou “Casarei de All Star”. Mas isso eram conjecturas de uma mente em convulsão, numa época ainda incompreensível para seus contemporâneos.

Não sabia se deveria me aproximar. Talvez ela estivesse com meu guarda-chuva, e estivesse ali para entregá-lo e me convidar pra caminhar sobre as poças de água junto às calçadas. Fiquei por um bom tempo parado lá no fundo do velho sebo, quase na penumbra, apenas observando e tentando entender como aquela garota parecia tão colorida, naquele lugar desbotado, quanto os outdoors na rua. Ela parou diante da prateleira que carregava os livros de História, e parecia feliz folheando um deles. Naquele momento, comecei a dar alguns passos vacilantes em direção a ela.

Um passo, dois, três, olhando para o chão. Como esse chão é bonito, todo quadriculado. No quarto ou quinto passo, sem levantar os olhos, percebo que ela devolve o tal livro e sai porta afora, quase que com pressa, quase que sem vontade. Não sei ao certo se ela me viu ou não, fato é que a chuva havia diminuído um pouco. Fui para mais perto da porta de entrada. Tentei alcançá-la com os olhos, mas uma das esquinas da antiga rua já a tinha levado embora para sempre.

Olhos no chão. Folha amarelada de árvore com marcas de tênis. Sebo. Uma metrópole sombria. Noite.

Sebo e outros

> Esta crônica foi uma colaboração de Tiago Masutti. Para ler outros textos deste autor, siga-o no seu Blog, Instagram, Facebook, Wattpad ou Centopeia Site.

Campo dos Sonhos (1989), de Phil Alden Robinson


Ao menos dois fantasmas indagam Ray Kinsella (Kevin Costner) se o campo de baseball que o fazendeiro construiu no meio da plantação de milho é o paraíso. E Ray diz que não, que aquilo ali é Iowa. E é nessa fronteira simples entre a terra e o céu – razão e sensação! – que flutuam as personagens de Campo dos Sonhos (1989), de Phil Alden Robinson. Kevin Costner, em fase inspirada que vai até Um Mundo Perfeito (1993), de Clint Eastwood, interpreta o típico estadunidense médio, de sonhos perdidos pelo meio do caminho, gente comum que chega ao mundo adulto com a ambição desconstruída. O filme se desenvolve no ritmo de uma pseudo-fábula própria do final dos anos 1980 e começo dos 1990: tom motivacional, cadenciado por frases de efeito constantes, quase como um anúncio do que se tornaria o universo da auto-ajuda nos anos seguintes. A lamentar o fato de Phil Alden Robinson não ter pensado o filme em preto e branco, o que carregaria o simbolismo para o lado da metáfora, deixando à auto-ajuda o espaço de irrelevância que lhe cabe quando o assunto é arte.

sonhos

Nunca te Vi, Sempre te Amei (1987), de David Hugh Jones


De Nova Iorque, Helene Hanff envia cartas para a livraria Marks & Co., em Londres. Qual um legítimo gentleman inglês, o funcionário Frank P. Doel remete-lhe os livros solicitados, numa amizade-amor que se estabelece através dos anos, cortando o oceano sem que jamais um tenha conhecido pessoalmente o outro. Nunca te Vi, Sempre te Amei (1987) tem a simplicidade dos grandes filmes que se apresentam como despretensiosos. Anthony Hopkins, quatro anos antes de ser cine-imortalizado como Hannibal Lecter em O Silêncio dos Inocentes (1991), faz de Frank Doel não apenas um dedicado funcionário, mas sim um companheiro ideal para as solitárias noites da escritora e leitora Helene Hanff (Anne Bancroft). O diretor David Hugh Jones, apesar de ter feito uma carreira inteira praticamente na televisão, segura as cenas lentas e longevas com o mesmo ritmo do livro escrito pela Helene Hanff da vida real. Porque os solitários não conseguem viver só e até mesmo os casados podem ser pessoas tão ou mais reservadas quanto aquelas.

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