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Marilyn Monroe (1926-1962)

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Ao mesmo tempo em que a história se realiza a partir de pequenos grandes momentos, o cinema se completa com cenas tão modestas quanto nobres. E poucas imagens se fizeram tão intrínsecas à sétima arte quanto o vestido esvoaçante de Marilyn Monroe em O Pecado Mora ao Lado (1955), de Billy Wilder. Claro que não cabe os méritos da cena devem ser compartilhados – o cinema é uma arte de equipe por excelência! –, mas o poder visual da atriz permanece como um fato indiscutível.

Ainda que conhecida e lembrada por papéis quase sempre de garotas ingênuas ou interesseiras, não há como negar: o talento de Marilyn saltava aos olhos. Entrementes, as performances da atriz nas películas soaram ligeiramente parecidas umas para com as outras. Uma realidade característica da chamada Era dos Estúdios, quando fórmulas pré-estabelecidas cerceavam a versatilidade de suas principais estrelas. Logo, a sensualidade ficara qual marca indelével da diva loura enquanto o dinheiro das bilheterias abarrotava os cofres dos seus empresários em Hollywood.

Apesar dos estigmas, Marilyn Monroe eternizou sua relação para com o cinema ao trabalhar com alguns dos melhores diretores em uma curta e produtiva carreira. Wilder repetiu a dose com a atriz no icônico Quanto Mais Quente Melhor (1959). Howard Hawks, um às atrás das câmeras em gêneros tão distintos quanto o faroeste ou as comédias românticas, tirou o melhor da atriz nos divertidos O Inventor da Mocidade (1952) e Os Homens Preferem as Loiras (1953). E Otto Preminger a colocou num papel ligeiramente mais sério no excepcional O Rio das Almas Perdidas (1954). Para além do imprescindível, talvez nem seja preciso elencar as parcerias com outros grandes mestres como Henry Hathaway, George Cukor e John Huston.

Mas se o cinema lhe sorriu, a vida pessoal foi um amontoado de momentos felizes intercalados por períodos atribulados. Norma Jeane Mortenson passou por lares adotivos, lidou com relacionamentos que não deram certo, além de fazer uso excessivo de drogas para dormir – que pode ter lhe causado a morte em 1962, quando ainda estava no auge aos 36 anos. Marilyn partiu cedo demais, mas suas pequenas grandes cenas ficarão para sempre!

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Humphrey Bogart (1899-1957)

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Seu rosto de traços fortes não era assim tão belo quanto o de Cary Grant. Sua elegância em cena poderia até não ser tão charmosa se comparada a de Clark Gable. Sua atuação impiedosa nem mesmo ecoava tão emocional como a de Marlon Brando. Mesmo assim, parece haver algo em Humphrey Bogart que falta em todos os outros atores: Bogie era “o cara”. Ou, ainda, “a cara” do cinema estadunidense.

Descoberto no teatro, seus primeiros filmes na década de 1930 não foram grandes sucessos. Ainda que tenha feito boas parcerias com grandes diretores, caso de Beco Sem Saída (1937), de William Wyler, somente na década seguinte Bogart cravaria seu nome na sétima arte. Com as produções Relíquia Macabra (1941), de John Huston, Casablanca (1942), de Michael Curtiz, Uma Aventura na Martinica (1944), de Howard Hawks, e À Beira do Abismo (1946), também de Hawks, a persona cinematográfica de Bogart estava praticamente estabelecida.

Mesmo com as atenções sobre si, o ator encarou o trabalho durante a chamada Era dos Estúdios em Hollywood com extremo profissionalismo. Certa vez, referindo-se aos comentários sobre sua atuação, comentou: “Eu queria dizer aos críticos que eu preciso, de verdade, saber atuar para engolir água sabor caramelo e fazer o público acreditar que é uísque”. Uma frase com a ironia fina ou cinismo requintado que caracterizou boa parte de seus papéis, inclusive aquele que o imortalizou em cena: Rick Blaine, o herói amargurado de Casablanca.

Casablanca abordava a Segunda Grande Guerra enquanto conflito acontecia. E Blaine surgia na tela qual figura rara, aparentando certa indiferença, mas alguém que no seu âmago sabia que a vitória seria dos aliados. Por isso, pela presença de Ingrid Bergman, por ser uma história de amor, por ter um roteiro certeiro com diálogos divertidos, e por milhões de outros motivos, Casablanca e Bogart se tornaram ícones de um período fundamental na história do cinema. Não por acaso, o renomado American Film Institute o elegeu como a maior estrela masculina do cinema norte-americano em todos os tempos. E quem há de discordar?

HumphreyBogart

Fuga Para a Vitória (1981), de John Huston

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Justamente porque se trata do evento mais espetacular e terrível da era contemporânea, a Segunda Grande Guerra permite um infindável número de recortes e interpretações. Das batalhas épicas aos dramas de sobrevivência, escondem-se milhares de alternativas tão distintas quanto curiosas. O futebol, por exemplo, é o tema geral do filme Fuga Para a Vitória, de John Huston, ambientado na Alemanha nazista de 1943. Eis aqui uma desengonçada versão do gênero “fuga de prisão”, tendo por leitmotiv um jogo de futebol que coloca num lado do gramado os prisioneiros aliados e, do outro, um time formado por alemães. As presenças de Michael Caine, Sylvester Stallone, Max Von Sydow e Pelé – sim, o próprio Atleta do Século XX – só fazem aumentar o clima de fábula antiguerra que apenas no cinema é possível existir. Divertido como uma pelada disputada num campo de barro e lama.

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Florianópolis em preto e branco

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Com a mão direita, ele segura o chapéu protegendo-se do vento sul. É inverno e os tons cinzentos predominam por toda a cidade. A sensação de uma chuva iminente lhe apressa o passo, mesmo que desta forma as rajadas de vento provoquem uma estranha dor que, aparentemente, é ignorada. Ele pára numa daquelas ruas que ligam a Conselheiro Mafra com a Felipe Schmidt, corredor de frio e gente sem tempo. Quando acende o cigarro, claramente vemos o seu rosto: Humphrey Bogart está em Florianópolis porque, enfim, a cidade se descobriu noir.

Bogart atuou em vários filmes do chamado cinema noir. Dentre eles, talvez o mais lembrado seja o clássico dirigido por John Huston “O Falcão Maltês”, baseado no livro homônimo de Dashiell Hammett. Esse cinema tinha algumas características peculiares, como a filmagem em preto e branco que utilizava largamente as sombras (alto contraste) e as tramas policiais apresentando um mundo duro e sem retoques. E era exatamente assim que a capital catarinense estava naquele fim de tarde.

Quando o inverno chega, não há muitas cores na Ilha. Uma galeria de quadros de um artista como Andy Warhol que, sem aviso, é trocada por vasos de plantas pálidas, quase sem vida. Os seres urbanos, então, migram ou hibernam. Ficar em casa à noite não parece uma escolha, mas sim a única alternativa. Os jovens, sempre desafiadores, saem às ruas segurando garrafas de bebida gelada. As jovens, em vestidos curtos e mangas inexistentes, parecem não se importar com nada, sabendo que a dança os aquecerá a todos.

Terminado o cigarro, Bogart continua seu trajeto na direção de um cinema que não existe mais. Ele sabe que está sendo observado, mas os anos de fama em Hollywood o tornaram indiferente. O falcão que o seguia desce ao seu encontro. Ele esboça um meio sorriso igual àquele no final de “Casablanca”, quando o capitão Renault manda prender os suspeitos de sempre. E a ave transforma-se em ouro, no instante em que uma rajada de vento sul faz ambos desaparecerem, trazendo mais cinza para a cidade.

> Crônica publicada no Jornal Notícias do Dia em 19/06/2008.